The Art Newspaper Russia
Поиск

История музейного дизайна

Как менялась концепция музейного дизайна от античности до 20 века

Древний мир. Мусейоны и пинакотеки

Термин «экспозиция» (лат. expositio  — «показ») вошел в музейный обиход в 1920-е годы. А вот само слово «музей» намного старше. Оно произошло от греческого «мусейон» (греч. «храм муз»). Так древние греки называли специальные помещения при храмах, где хранились скульптуры, реликвии, военные трофеи и разные редкости. Самый известный мусейон древности был основан в Александрии Птолемеем II. В ту же эпоху появились и пинакотеки, где хранились произведения живописи. Самая известная находилась на афинском Акрополе, в северном крыле Пропилей. Была ли тогда экспозиция — неизвестно.

В Древнем Риме, если верить источникам, уже сложились и какие-то принципы показа искусства. Витрувий в своем трактате Десять книг об архитектуре во второй половине I века до н. э. советовал обращать пинакотеки на север, чтобы «благодаря постоянству освещения краски не меняли своих оттенков». Важным было и то, с какого расстояния смотреть на произведение в зависимости от его размеров. Самые ценные картины римляне обрамляли золочеными рамами и демонстрировали на специальных передвижных подставках. Появились и первые публичные показы. Так, в храме Мира (форум Веспасиана) в конце I века н. э. было выставлено греческое искусство, восточные редкости и реликвии из Иерусалимского храма.

Кабинеты и кунсткамеры. Экспозиция как «лавка чудес»

Страсть к коллекционированию вновь возродилась в XV–XVI веках. Папы, правители и гуманисты собирали буквально всё: картины, скульптуры, античные древности, старинные рукописи, астрологические инструменты, минералы, образцы экзотической фауны и флоры. Все это хранилось в «кабинетах» и «кунсткамерах», предназначенных для пользования исключительно их владельцев. Но, хотя кабинеты и были за редкими исключениями (как мюнхенская кунсткамера герцогов Виттельсбахов, которую могли посещать художники, ученые и высокопоставленные гости) скрыты от посторонних глаз, здесь существовали свои правила «экспонирования». Верхнюю часть стен занимали картины в несколько рядов (иногда во всю поверхность стены от потолка до пола), в простенках между окнами вывешивались оружие и охотничьи трофеи, с потолка свисали чучела экзотических животных, а в шкафах с распахивающимися дверцами и выдвижными ящичками размещалась всяческая мелочь.

Первым озаботился «экспозицией» богатейшей коллекции рода Медичи герцог Франческо I Медичи. Для ее показа в 1581 году он переделывает здание Уффици, построенное Джорджо Вазари, пригласив для этого архитектора Бернардо Буонталенти. Одна из лоджий верхнего этажа была остеклена для показа скульптуры, появился новый 8-угольный зал «Трибуна», напоминающий по устройству «кабинет», но предназначенный для самых ценных экспонатов, были построены небольшие залы специально для живописи.

Шпалерная развеска

В XVI–XVII веках сложились крупнейшие королевские коллекции: Людовика XIV во Франции, Габсбургов в Испании и Центральной Европе, курфюрстов Саксонии и Баварии, Карла I в Англии, позже легшие в основу коллекций публичных музеев. Они демонстрировались как символы богатства в интерьерах наряду с мебелью, предметами декоративно-прикладного искусства, шпалерами и зеркалами. Результатом такого подхода и стала «ковровая», или «шпалерная», развеска. Картины вписывались в какой-то проем (и поэтому даже обрезались или подгибались) или покрывали без наклона всю поверхность стены. Иногда в центре размещалась самая большая картина. В Эрмитаже при Екатерине II тоже использовали шпалерную развеску. Об этом писал, в частности, Иоганн Готлиб Георги в 1794 году: «Картины висят… не столько по точному порядку школ, мастеров и пр., как по виду, ими производимому».

Историко-хронологическая развеска

Впервые она была применена в галерее Уффици в 1770-е годы, где ее хранитель Луиджи Ланци, следуя совету Джорджо Вазари из Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих (1550), сделал развеску по историческому принципу. А также в картинной галерее в венском Бельведере, где с этой целью императрица Мария-Терезия пригласила художника Христиана Мехеля, вдобавок сгруппировавшего картины по национальным школам. С появлением публичных музеев эта развеска стала ведущей. Экспозиции (в Британском музее, Лувре, Мюнхенской пинакотеке, Эрмитаже) иллюстрировали «историю искусств» — пока без этикеток, которые появились позже. Считалось, что в музей ходят люди просвещенные.

Музей как «храм искусства»

В конце XVIII  века романтики ввели новую концепцию экспозиции, где картины должны обрамляться в пышные рамы, скульптуры  — ставиться на высокие постаменты, а сами музеи — выступать как «храмы, где в тихом и молчаливом смирении, в возвышающем сердце одиночестве восхищаются великими художниками как высшими существами среди смертных» (Вильгельм Генрих Вакенродер, 1797). С XIX века и новые музейные здания стали напоминать классический храм. Их архитекторы (Лео фон Кленце в Новом Эрмитаже, Карл Фридрих Шинкель в Старом музее в Берлине) занимались и экспозицией, планируя залы в виде анфилад, связывающих между собой исторические периоды. В Старом музее Шинкель развесил картины также по школам и художникам. Историко-монографический принцип развески стал ведущим в XIX  и начале XX века.

Ценность отдельного произведения

В качестве альтернативы историко-монографической развеске в 1950-е появилась концепция отдельного экспоната как самоценного объекта для созерцания. Пионерами здесь были итальянцы (Карло Скарпа, Франко Альбини, группа BBPR), впервые представившие новый дизайн на XI Триеннале в Милане в 1957 году. Предмет освобождался от защитного покрытия, отсутствовал пьедестал (или изготавливался из прозрачного материала), цветовой фон мог быть нейтральным, чтобы подчеркивать цвет экспоната или контрастировать с ним. Пример — Музей Антонио Кановы в Поссаньо (Италия). Такая экспозиция создает иллюзию свободной аранжировки, но на самом деле тщательно продумана — благодаря направленной подсветке, цветным «задникам», сиденьям перед экспонатом как в театре одного актера.

Комплексный принцип

В одном пространстве экспонируются произведения живописи, скульптуры, декоративно-прикладного искусства, создавая целостную картину эпохи. Примеры: Государственный Эрмитаж, Национальная галерея Праги, Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Рейксмузеум в Амстердаме после недавней реконструкции.

«Белый куб»

Название придумано арт-критиком Брайаном О’Доэрти в статье Внутри белого куба (1976), где он писал: «Образ белого, идеального пространства даже в большей степени, чем какое-либо отдельное произведение, может служить архетипическим образом искусства XX века».

«Белый куб» — простое по архитектуре, стерильное пространство с белыми стенами. Картины развешиваются свободно, на большом расстоянии друг от друга, иногда по одной на стене; скульптура и объекты стоят в середине зала, тоже окруженные свободным пространством. Экспонаты равномерно освещены направленным или рассеянным неоновым светом. Белый цвет стал основным фоном в залах музеев современного искусства, которое и создавалось преимущественно в расчете на пустое пространство и белые стены музеев и галерей.

Просмотры: 5767
Популярные материалы
1
В Москве сносят памятник конструктивизма — ДК имени Серафимовича
Строительная техника начала демонтаж здания после того, как в Департамент культурного наследия города Москвы подали заявление о проведении экспертизы для внесения его в реестр охраняемых объектов.
26 июня 2017
2
Армения покажет первую триеннале современного искусства
20 июля в Ереване и Гюмри запустится новая триеннале современного искусства, которую начнет выставка Ильи и Эмилии Кабаковых.
22 июня 2017
3
Кандинский из Музея живописной культуры продан за рекордные £33 млн
«Картина с белыми линиями», когда-то хранившаяся в Музее живописной культуры на Волхонке и в Третьяковской галерее, продана на вечернем аукционе Sotheby’s 21 июня в Лондоне за £33 млн.
22 июня 2017
4
Андрей Кончаловский готовит фильм о Микеланджело
Картина расскажет о поездках скульптора в Каррару. Кастинг на главную роль продолжается. Российский режиссер готов к работе в том числе и с непрофессиональными актерами.
21 июня 2017
5
Три Бакста
Три издания, каждое из которых по-своему эффектно, стали хорошим дополнением к юбилейным выставкам художника.
23 июня 2017
6
Братская доля: Альберто и Диего
Ретроспектива Альберто Джакометти в Тейт Модерн служит очередным подтверждением его репутации одного из главных мастеров ХХ века. Но не стоит недооценивать роль младшего брата скульптора, Диего Джакометти.
26 июня 2017
7
Участие в выставке стоило статуе руки
Зато она стала более аутентичной. Неумело доделанную руку средневековой майоликовой скульптуры "Мадонна с младенцем" из Музея Фицуильяма решили не восстанавливать.
21 июня 2017
8
Автором Звенигородского чина может оказаться не Андрей Рублев
Новейшие исследования показали, что знаменитые иконы из собрания Третьяковской галереи мог написать не Андрей Рублев, а художники из греко-русской среды. Результаты будут опубликованы в монографии, выпустить которую планируют в 2018 году.
27 июня 2017
9
Три выставки недели
Персональная выставка британского архитектора Дэвида Аджайе в «Гараже», пейзажи Виктора Васнецова в московском доме-музее художника, новый видеопроект Евгения Гранильщикова на «Винзаводе».
23 июня 2017
10
Леонардо Ди Каприо готов передать ФБР работы Баскиа и Пикассо стоимостью более $12 млн
Эти произведения искусства, полученные актером в подарок, были в числе миллионных активов, приобретенных на незаконно присвоенные бюджетные средства премьер-министром Малайзии при помощи финансиста Джо Лоу.
21 июня 2017
Партнер Рамблера
Рейтинг@Mail.ru